Un stupide pari m’envoie dans des contrées inconnues que sont les défilés de haute couture. L’exercice est ardu, tout est codé comme dans les tableaux, couleurs, postures, symboles.

Devant le titre du défilé je me revoie petite fille feuilletant le Point de Vue de ma grand-mère où s’étalaient toutes les princesses et leurs robes à faire pâlir nos Barbies. Nostalgie puérile et futile, la Haute Couture serait elle passée d’un rêve inaccessible, une légende, à une accessibilité qui tue le rêve ?
Qu’importe, on m’informe que c’est du prêt à porter ! Ouf ! J’ai tellement envie de me draper dans cette cape bleue, d’oser la couleur, de me fondre dans la fluidité de ses vêtements, que mes manches deviennent ailes, prolongent mes bras à l’infini ; que mes bas descendent négligemment (prince les remonteras-tu ?), que le mis bas devienne sexy, que la jupe s’ouvre à la dérobé sur le genoux, que l’encolure glisse sur l’épaule, déposer une goutte de mon Orchid black dans le décolleté juste suggéré … J’ai envie de m’emparer de Paris ainsi vêtue, couleurs se reflétant dans la Seine, la démarche sûre, le pan qui s’envole au tournant de la ruelle, éclat de rire de la bouche rouge, regard charbonneux séduction, chapeau vole et vole mon cœur !
Madame Westwood semble profondément moderne.
Partant du postulat que le prince charmant n’existe plus (ou ne correspond plus à nos rêves), Madame Westwood nous investit princes charmants. Dans ces rôles inversés –très révélateurs de notre société nous voilà donc prince et princesse. La base étant faussée nous ne pouvons que nous attendre à des décalages, de hauteurs, d’unis, d’imprimés, de couleurs, des déstructurations savantes qui charment.
Nous sommes presque convaincue de pouvoir endosser les deux rôles, osons le jean, les leggins colorés façon chevalier du Moyen-Age, le smoking version petit prince mais gardons notre pouvoir de féminité, delà je découvre les jambes, de ci une épaule, un haut de cuisse.

Mais je déroule le fil du défilé et perçoit les subtilités ; le prince est bien présent, l’éternel rapport homme/femme est là dans la coupe précise de Madame Westwood.
Un dialogue s’installe entre princes et princesses. Les premiers grimés d’une moustache, l’air encore un peu guerrier, farouches, épaulés et gansés de collants ou pantalons. Nos princesses venues des pays chauds comme de la toundra glaciale, jouant de leur fragilité, aguichant mais fortes, osant la couleur, la couronne, le talon, la robe de petite fille, la superbe en noir et blanc, protocole.
Dans un monde imaginaire et réel peuplé du petit chaperon rouge, de Médée, de l’ogre, d’Alice, de courtisanes, de chevaliers, de tsarines, de rapoustine, du Petit Prince, du PDG, de mongols, de cendrillon, le temps presse pour attraper par toutes les ruses possible l’enjeu absolu ; le pouvoir.
Continuant, me voilà plongée dans le ambigüités de chacun. Le prince ose se travestir, la princesse investir le pouvoir parée de sa cape. Le couvre chef induit la position sociale. Entre force et fragilité, nos codes sont mis à mal.

Madame Weswood après avoir pris le podium pour un ring où hommes et femmes se livrent à un combat du corps vêtu des sceptres du pouvoir nous attendrit avec de vraies robes de princesses pour finalement nous assener une mariée en pantalon couronnée mais de rose… Et cette happy end est une évidence de la modernité de la femme qui peut endosser le rôle du prince, le toise, le défi mais qui a finalement toujours besoin de lui pour lancer son bouquet …

Plus de trois mois après le défilé l’émotion est encore intacte. Quand le lion rugit, impossible d’y échapper. Très constant dans ses désirs, le couturier revient encore une fois sur des thèmes qui le travaillent depuis ses débuts. A nouveau les années 20 et ses stars du cinéma muet. Mais on est loin de Boulevard du Crépuscule comme ont voulu l’écrire certains. Ici pas de nostalgie, pas de passéisme, de la mélancolie non plus et surtout pas de déchéance. Des problématiques certes propre au film de Billy Wilder mais que l’on ne saurait pas retrouver dans le défilé et encore moins chez le créateur lui-même. Galliano est définitivement du côté de la vie et de sa célébration. Il s’agit de dresser une esquisse, non de ce que ces divas d’antan auraient vécu véritablement mais plutôt comme elles nous apparaissent désormais avec toutes leurs ambiguïtés enfin dévoilées. C’est une des manières d’appréhender le passé afin de se l’approprier et d’en extraire la matière de nos rêves, ambitions et visions. Le faux s’érige comme seul moyen pour pouvoir générer du vrai en nous éloignant du banal. A quoi bon refaire ce qui a été très bien réussi par le passé.

Pour arriver à ses fins le couturier déploie tous ces talents de coloriste en tentant les mélanges les plus fantaisistes habituellement voués à l’échec. Le mièvre des couleurs pastel est associé à des teintes plus consistantes afin de créer un effet des plus extravagant. Le mauve et le violet ou le kaki se superposent au bleu azuré. On retrouve également des couleurs plus fortes mais non moins rares comme le jaune doré, le vermillon où le rouge grenat. Pas tout à fait prêtes, le visage couvert d’un maquillage de scène, semblables à des poupées, les mannequins avancent sur le podium parés d’incongru et d’illogique. Un air de hasard flotte sur cette collection. Comme surprise par une urgence malvenue, la femme Galliano se précipite parmi les hommes en se couvrant avec ce qu’elle trouve sous la main. Comme un immense non finito, la tenue de la veille se mélangeant à celle du lendemain. Les mousselines transparentes cachent mal l’impression d’arrière salle de costumier où rien ne s’associe vraiment mais tout se combine. Avec gaîté parfois hilarité même mais surtout beaucoup de légèreté les chiffons nous rappellent que le bonheur existe. Le défilé est composé principalement de robes courtes comme longues mais on retient surtout les vestes qui sont portées par dessus tout. Et en la matière Galliano détient un secret de fabrication à un niveau rarement atteint par d’autres. La veste ou le pardessus sont certes des pièces de garde-robe à part entière mais depuis toujours on leur a aussi prêté une fonction de substitution; couverture ou cache misère pour un dessous que l’on n’ose pas montrer. C’est à cette utilisation qui a comme corolaire de produire un effet burlesque auquel est rendu hommage ici. C’est pour ainsi dire l’instant de communion lorsque le tragique se glisse dans les habits du comique. Moment que Galliano ne cesse de rechercher. Et c’est la même impression que produisent de nos jours les héroïnes du muet dès lors qu’elles sortent du celluloïd pour briller encore une fois. Tout s’oxyde et à l’image de la mode, pour faire perdurer cet instant de vrai, le monde est obligé de se reformuler à chaque saison.

LILOO

Alors que cette saison, les cuissardes sont sur toutes les bouches, moi je pense à Jean Laforgue. Le professeur de français du début du XIXème siècle est surtout célèbre pour avoir épuré la première édition contemporaine des Mémoires de Casanova; l’oeuvre originale étant jugée à l’époque beaucoup trop crue et donc impubliable en l’état. Dans son Casanova l’admirable, Philippe Sollers s’est longtemps arrêté sur le travail de cet « arrangeur littéraire ». Le travail de Laforgue consista à dissimuler les formules trop explicites dans l’oeuvre du Vénitien. Sollers cite un certain nombre de ces arrangements dont celui-ci tout à fait succulent: une femme, bien entendu, ne se masturbe pas, elle « se fait illusion ». Jamais le professeur n’aurait pu imaginer à quel point il allait faire œuvre de littérature en inventant une expression pour les siècles à venir. De purement formel, le travail de Laforgue est devenu désormais donnée de fond. Nauséabondes, les cuissardes n’obéissent pas simplement à une logique de provocation mais au contraire elles génèrent de la chair qui se donne à voir dans toute sa brutalité. Les cuissardes sont des souliers de pute. Et non de salope. Corps sexuel devenu bestial, dénudé de sa coque symbolique avec laquelle on a essayé de le cacher depuis des siècles. Mais afin de rendre les cuissardes acceptables au plus grand nombre on les a adoucies en rabotant le talon comme la forme afin de gommer les origines. Ainsi minorées elles deviennent inutiles car banales. Chaussures de boue, les cuissardes sont porteuses de sens et ne tolèrent pas la demi-mesure. Vouloir les neutraliser c’est avant tout se trahir soi-même. Pas de compromis, on investit ses désirs ou on les change, et tout le reste n’est que tartufferie. La mode peut être un grand outil de sublimation, Jean Paul Gaultier vient de nous en offrir un magnifique exemple avec son dernier défilé. Au prix du respect tous les sujets sont traitables. Quand le sexe est partout la question urgente est de savoir comment en préserver son authenticité. Et là, Laforgue n’est pas loin car les puritains ne sont pas toujours ceux que l’on croit.

John Galliano fait partie des ces quelques créateurs argonautes qui nous font voyager  en nous proposant à chaque saison une nouvelle destination. Nous poussant au large, le vêtement, bloc d’ailleurs, se fait déguisement. En définitive, la mode, demeure une manière d’habiter le monde. Uniforme pour l’occasion, elle offre les moyens d’une nouvelle découverte de soi tout en permettant de rencontrer autrement. Chez Galliano comme dans la nouvelle de l’auteur suisse Gottfried Keller, c’est l’habit qui fait le moine. En dehors de toute règle, l’essentiel reste à savoir se raconter de manière sans cesse nouvelle car le monde demeure contre toute attente un vaste terrain inexploré. Pour le printemps/été prochain, le couturier, en s’inspirant de la campagne d’Egypte avec le général Bonaparte, nous amène en Orient jusqu’aux pieds des pyramides. En cinq chapitres, comme son épigone, le défilé devient un voyage initiatique de la raison à la rencontre de son altérité. Entrent dans des tons terracotta, les autochtones mamelouks couverts de leur traditionnelle coiffe rouge, le cahouc. Les pantalons sont amples, longs ou trois quarts avec de grandes poches, le blouson est roi. En guise de ceinture, nouée autour de la taille, une chemise. Récurrente, on la retrouvera utilisée à contre emploi dans toute la collection. Surgit alors la suite de Napoléon. Le désordre s’est déjà installé, les différences s’estompent. Mal adaptés, ils ont troqué leurs uniformes contre des habits d’occasion. Subsistent ici ou là une veste, un manteau mais pour le reste il faut s’adapter à la situation, l’inspiration vient d’ailleurs. Des imprimés légers, t-shirt, pantalon jogging et baskets de ville. La chemise nouée autour de la taille descend sur les jambes et se transforme en jupe. Mais Bonaparte n’est pas le seul voyageur d’Orient. Entre réel et imaginaire il y a aussi Lawrence d’Arabie. Les tons se font beiges et gris désert. La chemise est toujours là, mais nouée autour de la tête en turban elle protège désormais de la poussière. Habit trois pièces, trench-coat, chemise cravate; définitivement ces voyageurs du désert résistent mieux aux appels d’ailleurs. A la fin du XIXe siècle de nombreux photographes arpentaient l’Italie du Sud en quête d’éphèbes. Modèles masculins aux traits typiquement méditerranéens, les voilà qu’ils surgissent avec leur peau dorée en slip kangourou le torse dénudé et une fleur dans les cheveux. Par ci ou par là un cardigan presque transparent, un t-shirt à l’effigie de Galliano ou une chemise rayée pour tenter de couvrir les épaules; sinon rien. Et voilà, enfin, il s’est fait attendre… mais il arrive! Sorti directement du Napoléon d’Abel Gance surgit Bonaparte. Pas un seul mais dix. Là, sombre, en costume noir ou gris une chemise autour du torse en guise d’écharpe, il défile l’inoxydable. Mais qui d’autre qu’un Anglais aurait pu raconter une telle histoire. En paix avec l’Histoire Galliano voyage dans sa chambre.

Alexander McQueen est un créateur engagé. Particulièrement concerné par le futur de notre planète, il a abordé à plusieurs reprises des problématiques touchant directement aux changements liés à l’environnement. Cette fois-ci, il a eu recours au philosophe grec Platon et au mythe de l’Atlantide. Continent immense, situé jadis au milieu de l’océan Atlantique, il aurait été englouti par les flots en l’espace d’une nuit. Avec une collection composée presque exclusivement de robes, Alexander McQueen, en résonance avec une possible montée des eaux, trace une courbe entre la terre et la mer, entre le ferme et le diffus. L’enjeu, semble-t-il nous suggérer, n’est pas les conditions de vie mais les stratégies de survie que les êtres ont su adopter au fil de leur évolution. Confrontés à des changements climatiques, les hommes n’auraient d’autre choix que de se réconcilier avec les flots. Nécessité rendue possible par des transformations génétiques. Deux caméras montées sur des bras mécaniques mettent l’espace en mouvement en renvoyant les images du défilé et des spectateurs sur écran géant. L’espace du défilé habituellement linéaire  devient multiple et se transforme en un kaléidoscope de points de vue et de dimensions. Le réel contient à lui seul tous les possibles.

En guise de prologue, un film que le couturier a produit en collaboration avec Nick Knight est projeté. Image du mal par excellence en occident, il montre des serpents qui glissent sur la peau d’une femme allongée sur le dos. Symbole des temps où l’on prend conscience que la solution nous vient de l’ennemi et  que l’autre n’est pas monstre mais tout simplement différence. Les insectes comme les reptiles ont su modifier leur surface corporelle afin de se prémunir contre des prédateurs ou en réponse à un cadre de vie hostile. La reprise de motifs inspirés du camouflage des mites ou mantes religieuses se traduit par des jacquards extrêmement élaborés, dont le coloris s’étend de différentes nuances de beige à des jaunes et verts. Illusion optique, des modèles exécutés en une seule pièce mélangent jusqu’à la confusion volume de la coupe ou effet produit par l’imprimé. Les mannequins avancent les pieds dans des souliers improbables directement inspirés des tatous, ces mammifères recouverts de corne formant une carapace protectrice de forme ovïde lorsque confrontés à un danger. Au fur et à mesure que le défilé avance, la femme devient insecte, reine des abeilles, et prend même des airs élisabéthains. Les couleurs deviennent plus chaudes, les beiges se teignent en brun, bronze et roux du fait des imprimés dont le sujet est désormais le récif corallien et l’épave du Titanic; éléments de ferraille que l’on retrouve également dans les souliers. En même temps, le bleu azuré, jusque-là fond de scène, passe dans les tissus. Avant la métamorphose finale qui permettra aux êtres une parfaite adaptabilité au monde aquatique, dans un dernier sursis préalable à une  transformation génétique définitive, ils vont essayer, comme des hommes-grenouille, de se glisser dans des habits adaptés aux circonstances. Mais rien n’y fait, la métamorphose est inévitable comme les protubérances qui font leur apparition et qui marquent les visages avec toujours plus d’insistance. De moins en moins humain et de plus en plus poisson, tel semble être leur sort.

Malgré les difficultés auxquelles l’espèce humaine devra se confronter à l’avenir, Alexander McQueen reste confiant et propose une réconciliation avec les temps qui sont et qui fuient. Ce qui compte pour le créateur, c’est de renouer à chaque étape avec la beauté du moment. Intuition aussi salvatrice qu’exigeante car, retour à la leçon morale de Platon dans l’Atlantide, c’est la rectitude qui permet de voir juste et de trancher avec le laid. Et tout n’est plus que légèreté.

Pour cette collection très streetstyle suburbain PE 2010, Jean Paul Gaultier a eu envie de revisiter tous ses fondamentaux: la marinière, la veste smoking, les corsets, le bustier conique, etc. Dans une très grande diversité, il raconte une histoire de femme et de féminité afin d’essayer d’en saisir toute la complexité. Pour en prendre la mesure directe, il suffit de jeter un coup d’œil sur les chaussures. Tout y est et rien ne manque: spartiates hautes lacées en cuir ou tissu, souliers à lacets de type Palladium, des Doc Martens mais aussi des modèles plus élégants comme sandales et escarpins. Les mannequins portent des tatouages tribaux semblables à ceux dont sont couverts les membres du gang dans « La Vida Loca » actuellement en salle. Le documentaire narre l’histoire de jeunes gens défavorisés qui, en dehors de tout droit et règles, sèment la terreur dans les banlieues de San Salvador.

Le défilé débute en garçon manqué avec des pièces en denim conçues en collaboration avec la marque Levi’s. Des casquettes baseball ou mao trônent sur les coiffures ethniques. Des salopettes, mêmes si adoucies par du satin ou des bustiers cônes restent uniforme de travail. Des T-shirts à épaulettes donnent une carrure de footballeur américain. Le jean coupé en bandes et retissé fait apparaître la peau quand celle-ci n’est pas recouverte de maillots ultra-moulants imprimés à motifs bleus de type écorché imitant les muscles et les artères. De magnifiques trenchs kaki à bustier et jupe intégrées cohabitent avec des modèles verts et marron qui confèrent à la suite du défilé un aspect très militaire. La femme Jean Paul Gaultier évolue dans un milieu qui lui est hostile. Le regard de l’autre prêt à juger est partout. Elle a besoin de se protéger et ce n’est pas facile pour elle de mettre en valeur ses atouts les plus féminins. Comme une guerrière, elle montre ses muscles et porte autour de ses hanches des ceintures de guerre dans lesquelles on glisse des projectiles. Elle se cache derrière des vêtements d’homme. Ce n’est que par petites touches qu’elle peut laisser libre cours à sa féminité: des souliers, un corset, quelques accessoires, le nylon des collants … Mais la situation ne tardera pas à se renverser. Les robes surgissent dans un éclat d’oranges et de rouges traités en camaïeux. Des aspirations longtemps sous-jacentes deviennent dominantes. Des tissus en mousseline et crêpe de soie légers, des couleurs tendres, des transparences font leur apparition et les sous-vêtements sont portés en-dessus. Le masculin ne resurgit que de temps à autre en Doc Martens ou en casquette pour laisser la place à une féminité pleinement vécue qui du coup gagne en éclat et en générosité. Le corps, machine musclée, symbole de force, se transforme en sujet de désir et les protections laissent désormais la place au sensible.

Pour Jean Paul Gaultier la mode doit être la maison de tous. Le goût comme le style vestimentaire de chacun est marqué par ses origines. Mais pas de discrimination, dans le monde de la couture tout s’équivaut dans la mesure où l’on est capable de transformer la violence en force créative. D’une forme enfin sclérosée la mode est en mesure de créer l’espoir.

Pour la prochaine saison le transparent est partout mais il est surtout chez AF Vandevorst. Le couple belge a imaginé une collection particulièrement aérienne dans laquelle des tissus ultra légers se superposent pour créer des silhouettes en mouvement. L’atmosphère est très savane et aventure. Un ventilateur qui imite les turbulences souffle les cheveux et fait battre les vêtements comme des draps au vent. Les trenchs, tuniques, robes légères et combis sont tous retenus par de larges ceintures en cuir auxquelles sont accrochées de longues breloques telles des martinets qui font directement écho aux poney shoes de la saison dernière (AH 09/10). Depuis le début, la sensualité et l’érotisme représentent une constante dans le travail d’An Vandevorst et Filip Arickx. Après une décennie de recherches, cette collection présente comme un air d’aboutissement. Comme quelque chose qui a toujours été là, force de vie, une pulsion enfin éclose.
Pour les Vandevorst, le transparent est avant tout incarné par le nylon. An est d’ailleurs une grande collectionneuse de bas vintage, source originelle d’inspiration pour la collection en ce qui concerne la couleur et dont les teintes chair typiques, allant du gris sable au brun roux, ont pour effet de produire un charme suranné. Le nylon avait déjà été à l’honneur lors de la collection PE 09. Des bas blancs avaient été superposés à des collants noirs. A présent, ils envahissent toute la collection en allant jusqu’à déborder sur les chaussures pour les faire disparaître entièrement. Vu de face, les mannequins semblent marcher sur la pointe des pieds; effet boudoir garanti. Aussitôt enfilés, les bas se transforment ici ou là en cuissardes ultra transparentes et servent à pincer jupes et pantalons glissés à l’intérieur afin de les empêcher de s’envoler. Le mou et le dur se côtoient dans un jeu d’échanges. Qui des deux sera le plus résistant? Des plastrons en carton forment un simulacre de carapace autour du buste. Des corsets ouverts accrochés aux épaules, incapables du moindre soutien, perdent leur fonction et se transforment en accessoires. Les coupes sont larges; le tissu abondant enveloppe le corps et devient par moment une cage translucide. La femme Vandevorst mute alors en guerrière de lumière. Le transparent ne donne pas uniquement à voir, il brouille surtout les hiérarchies. L’en-dessous devient visible au-dessus. Fenêtre sur le corps et les choses.

Magali Cazot, Baladine

Magali Cazot, Nora

Notre obsession pour le corps qui relève avant tout du développement des soins ainsi que de l’amélioration du mode de vie a eu pour effet de voir se démultiplier les liens entre mode et érotisme. Objet esthétique en soi, il est désormais possible de le montrer. L’exposition du corps n’est plus limitée au privé, elle est devenue chose publique. Amorcé par certains, le récent glissement de la mode vers le style n’a fait qu’exacerber cet état de fait en transformant le vêtement en partie intégrante de l’expression de soi. Elément principal du rapport à l’autre, cathaliseur d’attraits, désormais on ne porte plus ses vêtements, on est ses vêtements. Dans cette mise-en-scène du moi que devient le support, c’est à dire le corps nu?

Magali Cazot, jeune artiste, a peint une série de nus féminins très envoûtants par leur radicalité. Crus et violents par leur point de vue même, les deux jeunes filles posent frontalement face au spectateur en assumant pleinement leur nudité. Une mise en scène réduit à minima, sans allégorie, le but du peintre étant de soumettre le corps au regard en une envie première d’être vu. Prendre une pose est d’une certaine manière déjà s’habiller un peu. Cette épuration maximale fait surgir une forte contradiction irréductible entre force vitale et quelque chose de plus sombre. Les deux pôles opposés entre lesquels oscille la vie. Cette tension s’exprime jusque dans le choix des couleurs, des rouges déviés, teintes qui de plus sont marquées par une braise sexuellement charnelle. Mais, il y a différentes manière de révéler son corps. La sensualité est toujours le fruit d’une mise en valeur savamment réfléchie car même nu, un corps n’en est pas pour autant érotique. Sans nul doute, une des fonctions du vêtement est de cacher la nudité. Acte volontaire, il y en a aussi qui tout en couvrant ne cherchent pas à faire oublier le corps. Plus que de cacher et au delà du corps, ils créent de la chair, matière première du désir. Continent aux possibilités infinies, Jean Paul Gaultier a choisi de nommer X sa collection AH 09/10, symbole de l’interdit, part maudite du désir enfin incarné. Le créateur cache et dévoile à sa guise, compose avec des matières ambiguës, les tissus opaques s’amusent à suggérer et les références érotiques fusent. Mark Fast, quant à lui, s’inspire des trous. Depuis quelques saisons, le jeune créateur d’origine canadienne invente des robes tricotées. Entrelacement de fils tenus par un nombre infini de nœuds qui embrassent le corps. Définitivement, l’espace entre corps et vêtement s’est réduit.

Jean Paul Gaultier, AH 09/10

Mark Fast, PE 10

Magali Cazot sur son site et son blog.

Gwendoline, Hiver 07/08

Cordelia, Eté 08

Volga, Eté 09

Par goût mais aussi par formation, Nathalie Elharrar incarne la synthèse entre inspiration artistique et savoir-faire technique. En cinq collections sous son propre nom et d’innombrables collaborations avec de prestigieuses personnalités du monde de la mode, sa réputation n’est plus à faire. Alors que depuis vingt ans déjà le sexe est ouvertement présent dans l’univers de la mode, la créatrice en a fait sa source d’inspiration. Ni faux semblants, ni allusions dissimulées, les modèles, leurs noms comme les collections, font directement référence à l’univers et à la culture sadomasochiste avec une réelle volonté de « rupture avec la morosité du politiquement correct de l’apparence ». Le logo de la griffe est à lui seul tout un programme. Deux poney girls échassées sur talons aiguille surdimensionnés et munies de queue correspondante, forment une être imaginaire, une sorte de centaure au féminin. Chaque soulier, comme un signe d’appartenance, est muni d’un petit anneau qui a été immédiatement associé à un piercing. Dans les faits, c’est un anneau dit de tord-nez, employé dans le milieu équestre. Pour les curieux, l’instrument sert à attraper dans une boucle formée par une corde la lèvre supérieure du cheval. Le fait d’augmenter et de relâcher la pression sans cesse moyennant une plus ou moins grande torsion, endort le cheval doucement, ce qui permet de lui administrer des soins autrement pénibles. Cet objet au fond très techniques développe une forte propulsion imaginaire dont l’effet sensuel immédiat est le tintement du métal contre le soulier lorsque celui-ci est en mouvement. Les voies de la vérité sont parfois sinueuses…

L’expérience prouve que rien n’est immédiat et tout ce qui paraît abouti dans sa simplicité est en réalité le fruit d’une longue gestation. Le talon virgule, imaginé par Roger Vivier et que l’on retrouve chez Nathalie Elharrar dans plusieurs de ses créations au fil du temps, a trouvé sa remarquable forme actuelle après une longue élaboration sur un arc de temps qui se déploie sur une quinzaine d’années. Le plateau des Poneyline Shoes qui apparaît pour la première fois avec le modèle Cordelia est le fruit d’un savant travail d’abstraction à partir du sabot des mammifères ongulés. Comme eux, secret de bottier, celles qui les chaussent déambulent sans talon. Mais la liberté est contagieuse et contre toute contrainte LaRare invente son propre temps, un temps du désir. Les modèles vont et reviennent, subissent des transformations, mais ne disparaissent jamais vraiment. En dehors du temps de la mode qui veut que l’on recommence à chaque saison, il y a la tentation du long terme et du travail en profondeur comme si le désir, lui, ne se démodait jamais. Jamais soldé, toujours d’actualité, la femme Elharrar assume sa diversité. Elle fait ce qu’elle veut, en vivant librement ses envies tantôt dans le regard de l’autre tantôt de manière imperceptible. Avec pour étendard le hors-norme, car le convenable exaspère.

Irina, Hiver 09/10

Irina, Hiver 09/10